La poesia ermetico-moderna di soglia

Misura etica, parola essenziale e tradizione nel percorso di Vincenzo Bolia
di Rodolfo Tommasi, critico letterario

Nel panorama poetico contemporaneo, segnato dalla diffusione di forme di narratività espansa e dalla scrittura dell’io esposto, emerge una linea di ricerca che mira a restituire alla parola poetica una misura etica.

In un tempo dominato dalla sovraesposizione del soggetto e dall’espansione incontrollata del discorso, questa linea sceglie consapevolmente il limite, l’arresto e la sottrazione come strumenti espressivi e come presa di posizione sul destino del linguaggio poetico.

Tale orientamento non nasce come scuola né come corrente organizzata, e nemmeno come manifesto ideologico. Si afferma piuttosto come esito di un confronto continuo tra poeti uniti da una comune esigenza di rigore linguistico e di responsabilità del dire.

Per comprenderne appieno il valore, questa linea va collocata all’interno della più ampia tradizione poetica europea del Novecento. È il secolo in cui la poesia prende definitivamente atto della crisi delle grandi narrazioni e dell’impossibilità di una visione totalizzante del reale. La parola poetica perde progressivamente la funzione di spiegazione del mondo e assume quella, più fragile ma più responsabile, di testimonianza parziale.

Su questo sfondo, la poesia di soglia porta tale consapevolezza verso una forma di arresto massimo, nella quale il simbolo resta immagine e il senso non si compie. Tuttavia, nella più recente formulazione teorica, questo arresto può talvolta consentire misurati sconfinamenti oltre la soglia, limitati al primo varco dell’immagine e mai trasformati in spiegazione.

È qui che la lezione europea del frammento, da Baudelaire a Celan, da Char a Bonnefoy, trova un ulteriore sviluppo: non solo la sospensione, ma la possibilità che il testo lasci intravedere, in casi rari e controllati, un minimo passo oltre il margine.

Solo a partire da questo orizzonte europeo si comprendono appieno alcune radici italiane di tale orientamento. La lezione di Giuseppe Ungaretti rappresenta un passaggio decisivo: il verso si accorcia, si isola, diventa respiro. Tuttavia, nella poesia ungarettiana permane una tensione epifanica, che questa linea successiva assume sul piano formale, ma sospende nei suoi esiti.

È soprattutto in Giorgio Caproni che questa tensione trova una delle sue formulazioni più radicali. In Caproni la poesia si configura come cammino senza approdo, gesto minimo che insiste nel movimento senza promettere rivelazioni. Il senso non viene consegnato, ma lasciato in sospensione, e il gesto poetico tende progressivamente verso l’arresto.

Accanto a Eugenio Montale, la poesia italiana del Novecento introduce la consapevolezza che il senso si manifesta come mancanza. La poesia non risolve né spiega, ma segnala: indica un punto critico dell’esperienza senza colmarlo. Da questa impostazione deriva una pratica poetica sempre più rarefatta, nella quale la parola si misura costantemente con ciò che resta non detto.

È lungo questa linea, già matura sul piano storico e critico, che all’interno del gruppo poetico ligure ponentino Symbol 2000, nato nel 2007, la figura di Vincenzo Bolia assume un ruolo centrale di chiarificazione e stabilizzazione teorica, dando nome e forma a ciò che viene definito poesia ermetico-moderna di soglia.

Attraverso un lavoro di lunga durata, Bolia contribuisce in modo determinante a definire i presupposti etici ed espressivi di questa poesia, sottraendola tanto alla dispersione lirica quanto alla pura sperimentazione formale. La sua scrittura, fondata su versi brevi ed essenziali, mantiene il simbolo allo stato di immagine e lascia il senso deliberatamente incompiuto. Nella formulazione più recente, essa ammette anche rare aperture ulteriori, purché coerenti con il principio dell’arresto e contenute nel primo varco del senso.

In questo quadro, l’adozione congiunta della lingua italiana e del dialetto ligure di Albenga non rappresenta un elemento ornamentale o identitario, ma un dispositivo ulteriore di misura e di ascolto, funzionale alla costruzione del senso e alla tenuta etica della forma.

Chino Bert, Donna in bleu, tecnica mista, 20×30 cm, 2006

Questa linea poetica trova espressione esemplare nei componimenti Donna in bleu e Martiri della Foce. In particolare, Donna in bleu nasce in dialogo diretto con la pittura: il testo è ispirato all’omonimo dipinto del pittore Chino Bert, da cui eredita la sospensione figurativa, la centralità del volto e il valore simbolico del silenzio come presenza.

Nel 2010, del resto, in occasione della prefazione al volume Pensieri… parole (Montedit, Melegnano), tale tensione all’essenzialità già affiora, orientata verso versi brevi e misurati, capaci di dire per sottrazione e di anticipare ciò che solo in seguito avrebbe trovato una definizione più compiuta.

Firenze, marzo 2012

DONNA IN BLEU

Luce sospesa
viso d’attesa

tra rose
spente

respira
il silenzio

un filo d’oro
sfiora
l’aria.

Commento critico

“Donna in bleu” apre su una sospensione luminosa, dove luce e attesa coincidono in uno stato fermo e raccolto. Il volto non agisce, ma resta, come se il tempo si fosse assottigliato fino a farsi respiro. Le rose spente non indicano una fine, ma una quiete necessaria, una pausa che prepara l’ascolto. Quando respira il silenzio, la poesia sposta il centro dalla cosa detta alla percezione che accade. Il silenzio non è vuoto, ma presenza viva, capace di movimento minimo. Il filo d’oro introduce un segno leggero, quasi impercettibile, che non divide ma attraversa. È un gesto che non incide, ma sfiora, come la parola stessa. Nulla viene spiegato, nulla concluso. Nel suo arresto, il testo resta aperto e continua a risuonare nel lettore

MARTIRI DA BUCCA

Ègue
facce

da-e valladde
a-a Bucca

pe in seugnu
de libertè.

In sce-a pria
nummi,
ün deré l’âtru.

MARTIRI DELLA FOCE 

Acque
volti

dalle vallate
alla foce

per un sogno
di libertà.

Sulla pietra
nomi,
uno dietro l’altro.

Commento critico

“Martiri della Foce” si ferma davanti a una memoria che non chiede parola ma rispetto, già trattenuta in “Acque / volti”, dove l’identità si dissolve nel destino comune. La poesia nasce da un fatto storico preciso: i Martiri della Foce sono 59 persone, civili e partigiani, uccisi per la libertà dai nazifascisti tra il dicembre 1944 e il marzo 1945, lungo il Centa e alla sua foce. “dalle vallate / alla foce” non è percorso simbolico, ma reale, imposto dalla violenza. Il sogno di libertà non è astratto: è ciò per cui furono martirizzati. Qui la nuova Carta consente un minimo sconfinamento civile oltre la soglia, trattenuto nel primo varco del senso. La pietra non racconta, registra. “Sulla pietra / nomi, / uno dietro l’altro” restituisce l’ordine freddo dell’elenco contro l’unicità delle vite. L’acqua scorre, i nomi restano. Nulla viene spiegato, nulla redento. La memoria non consola, ma chiede di essere tenuta ferma nel tempo.

Rodolfo Tommasi

Lunedì 19 marzo 2012, anno VI